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C’est une websérie singulière que je vous présente aujourd’hui: un opéra créé sous forme épisodique, conçu pour être diffusé en streaming sur internet. Vireo: The Spiritual Biography of a Witch’s Accuser est une œuvre originale qui traite d’un sujet difficile: l’hystérie féminine et sa perception par la société à travers les âges. L’opéra a été imaginé par une compositrice californienne, Lisa Bielawa. Ce projet remonte pour elle à une vingtaine d’années et devait initialement être une production plus classique, pour la scène, avant de devenir cet objet hybride, apte à capter l’attention d’un public plus large que celui des amateurs exclusifs d’art lyrique. La fiction se compose de 12 épisodes d’une durée variant entre une dizaine et une vingtaine de minutes. C’est le fruit d’une collaboration avec le librettiste Erik Ehn et le directeur de théâtre Charles Otte (qui travailla notamment avec Philip Glass sur le fameux opéra  de Robert Wilson Einstein on the Beach), à qui on doit la réalisation de cet OVNI sériel à tendance surréaliste.

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Vireo (interprétée par Rowen Sabala) est une adolescente de 14 ans qui a la faculté de naviguer entre les siècles. Lors du premier épisode, la jeune fille vit en France au XVIe siècle, non loin de Reims. Lorsqu’elle s’aventure dans les bois pour y collecter des charbons ardents, elle entend une mystérieuse voix (the Voice, incarnée avec justesse par la mezzo-soprano aveugle Laurie Rubin) qui évoque pour elle l’attrait d’une vie libérée du carcan de la société, en communion avec la nature. The Voice est une figure ésotérique et envoûtante, qui hantera Vireo tout au long de son périple. Après cette rencontre bouleversante, elle ne cesse, au gré de ses évanouissements, d’alterner entre différentes identités, devenant la patiente d’un médecin psychiatre viennois du XIXe siècle en tant que cas d’hystérie pris comme sujet d’expérimentation médicale ou encore une adolescente en rébellion contre ses parents aux États-Unis au XXe siècle. Au cours de ses pérégrinations temporelles, Vireo combat sans relâche des individus qui cherchent à contrôler son existence dans les moindres détails, tout en ne comprenant pas vraiment les variations imprévisibles de son comportement exalté.

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La mère de Vireo est jouée par Maria Lazarova. Quelle que soit l’époque où se situe l’action, elle est désarmée, ne sachant guère comment se comporter avec sa fille, si déconcertante pour elle. Au XVIe siècle, elle la confie à un prêtre, qui cherche sur son corps des manifestations de possession démoniaque (la marque de Satan), en la piquant avec une aiguille. Au XIXe siècle, la mère laisse son enfant aux soins d’un docteur qui la contraint à l’enfermement et lui prodigue des traitements qui n’améliorent en rien son état (les travaux de l’homme de science évoquent ceux du professeur Jean-Martin Charcot portant sur les troubles mentaux) . Le médecin comme l’homme d’église sont interprétés par Gregory Purnhagen, dont la voix puissante confère une présence imposante. Le docteur a un assistant, Raphaël (Ryan Glover), un étudiant qui écrit une thèse sur l’hystérie féminine et éprouve une attirance certaine pour les jeunes femmes dont il scrute quotidiennement le comportement. La nature romantique de Raphaël ne l’empêche pas de profiter financièrement de ses recherches en vendant des articles à des journaux grand public (allusion sans doute aux descriptions sensationnalistes de l’hystérie qui fleurissaient dans la presse populaire de l’époque).

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Au XVIe siècle, Vireo est témoin de l’exécution d’une prétendue sorcière, la paysanne Pernette, en qui elle reconnaît la propriétaire de la voix entendue auparavant dans la forêt. Le prêtre incite Vireo à dénoncer d’autres sorcières, mais celle-ci hésite, consciente que cela revient à condamner à mort des gens peut-être innocents. De plus, même après avoir envoyé une sorcière sur le bûcher, son village semble encore victime de maléfices, les vaches des éleveurs meurent les unes après les autres sans raison apparente, causant la détresse des habitants privés de leur moyen de subsistance… et le désarroi de la jeune fille, plus indécise que jamais malgré les sollicitations insistantes du prêtre et de sa mère pour qu’elle identifie plus de sorcières. Au XIXe siècle, Vireo rencontre au sein de l’établissement psychiatrique où elle est recluse une autre adolescente, Caroline (Emma MacKenzie), qui devient son amie mais s’avère vite un personnage ambigu, prompt à manipuler son entourage. Caroline, qui voyage aussi dans le temps, conseille à la Vireo de la fin du Moyen-âge de multiplier les accusations de sorcellerie, juste pour jouir de plus de tranquillité en satisfaisant ainsi les adultes qui la harcèlent constamment. Progressivement, l’affection entre Caroline et Vireo se mue en une relation conflictuelle, où chacune cherche à prendre l’ascendant sur l’autre.

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La websérie a une structure cyclique. Le dernier épisode se déroule dans une forêt, comme le premier, mais le décor est naturel et non plus une scène de théâtre décorée de verdure. Vireo y apparait apaisée, détachée de l’influence néfaste de la société et parvenue à affirmer son identité. Son parcours tumultueux dans un univers étrange au temps fluctuant, où les époques se mélangent allègrement, débouche sur la lucidité que procure la maturité. Si l’épisode final, très succinct, clôt la série en douceur, il y eut auparavant quelques passages mémorables. Le cinquième épisode, The cow song, où une vache d’apparence humaine (jouée par Kirsten Sollek), un verre de lait à la main, chante l’histoire de sa vie vouée à l’alimentation des villageois, avant d’être conduite à un barbecue où elle doit être mangée, se distingue par son ton décalé, tragicomique, flirtant avec l’absurde.  L’épisode 9, Alcatraz, tourné dans les murs décrépits de la célèbre prison, est visuellement marquant et rend bien l’atmosphère austère des lieux. Le onzième épisode, Circus, qui constitue l’ultime confrontation entre Caroline et Vireo dans un décor grandiose où tous les personnages sont métamorphosés en membres d’une troupe de cirque, constitue le point culminant du récit. La célèbre soprano Deborah Voigt y fait une apparition notable, impeccable dans le rôle majestueux de la reine de Suède.

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Parlons à présent de la réalisation. La caméra est constamment dynamique, opère fréquemment un travelling circulaire autour des personnages, prend parfois du champ pour souligner leur isolement ou leur solitude. On trouve de nombreux effets, images subitement floues, dédoublements des protagonistes ou fondus enchainés, pour illustrer la nature mouvante, fluide de la temporalité non linéaire dans laquelle évolue Vireo. A un moment, il y a même un écran splitté où l’image de l’héroïne se démultiplie. Les changements d’époque sont soudains, d’une seconde à l’autre les costumes des personnages peuvent changer: Charles Otte a dû pour cela filmer chacune des scènes à trois reprises, avec des costumes appropriés à chaque période, avant de les mêler lors du montage de la série. Le but du procédé est de montrer la permanence de certaines attitudes à l’encontre des hystériques au fil des siècles. Cependant, ce procédé implique aussi que le public qui assiste au tournage de ces scènes ne voit qu’une version incomplète d’une portion de l’opéra. On aperçoit l’assistance à quelques reprises, lors des premiers épisodes et dans l’avant dernier, signifiant ainsi que l’on est bien en présence d’un hybride entre spectacle vivant et websérie. L’ensemble, dont la durée approche les 3 heures, est conçu pour être vu soit d’une traite, comme un opéra classique, soit de façon fragmentée, sans perdre pour autant le fil du récit.

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Un des attraits majeurs de la websérie réside bien entendu dans les performances musicales. Chaque épisode propose des prestations de diverses formations, leur variété est impressionnante. Les musiciens apparaissent à l’écran au milieu des protagonistes chantants et certains plans s’attardent même sur un artiste exécutant un morceau enlevé. De nombreux instruments sont représentés: violons, pianos, piccolos, saxophones, trompettes, harpes…et même une vielle à roue (hurdy-gurdy en anglais)! Parmi les groupes qui se succèdent, citons les chorales d’Orange County et de San Francisco, la fanfare de la Shadow Hills High School, le Kronos Quartet, le Prism Quartet, le Lorelei Ensemble (ensemble vocal féminin) ou encore l’orchestre de chambre Alarm Will Sound. Quelques musiciens réputés sont de la partie, par exemple le percussionniste Mathias Bossi, la pianiste Kate Campbell et la violoniste virtuose Jennifer Koh. A l’instar des musiciens, les performances vocales des chanteurs sont irréprochables, si le ténor et la soprano font la plus forte impression, les autres parviennent néanmoins à tirer leur épingle du jeu.

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Comme il s’agit d’un opéra filmé, il est possible de s’affranchir des limites d’une création purement scénique. Les décors sont renouvelés à chaque chapitre, les lieux spacieux et chargés d’atmosphère ayant été privilégiés, le défi pour les chanteurs et musiciens étant de s’adapter à l’acoustique particulière de chaque environnement. Toutes les scènes n’ont pas été tournées en Californie, l’épisode du procès a pour décor un ancien monastère situé à New York, l’actuel institut Garrison. Outre Alcatraz, un autre lieu chargé d’histoire a été exploité, la gare désaffectée d’Oakland (dans la baie de San Francisco), où se déroule l’épisode Circus. Quant au final bucolique, il a pour cadre le parc forestier californien Samuel Penfield Taylor. La scénographie utilise habilement la configuration des divers décors, par exemple en plaçant les protagonistes à différentes hauteurs ou en les tenant éloignés dans un vaste espace pour symboliser le caractère distant ou conflictuel de leurs relations.

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On fit par le passé des opéras créés en vue d’être diffusés à la télévision, mais à ma connaissance il s’agissait de téléfilms et non de séries. Dès 1951, le compositeur Gian Carlo Menotti s’y est attelé pour la chaîne NBC avec Amahl and the night visitors, avant de récidiver à plusieurs reprises au cours de la décennies suivante. Il y eut d’autres créations, la plus connue étant peut-être Owen Wingrave de Benjamin Britten, œuvre diffusée par la BBC en 1971. Cependant, il est à noter que ce furent des opéras prévus pour la scène aussi bien que pour une diffusion télévisée et non spécifiquement dédiés à être visionnés sur petit écran. Vireo adopte donc une démarche novatrice, mais reste à savoir si les amateurs de séries plus conventionnelles seront intéressés. Contrairement aux films et aux séries relevant de la comédie musicale, qui jouissent aujourd’hui encore d’une certaine popularité, l’opéra est une forme artistique souvent reléguée aux heures de diffusion tardives (comme sur France 3, qui a néanmoins le mérite d’en proposer), tandis que le nombre d’opéras commandés par des producteurs de télé a beaucoup diminué depuis un demi siècle, signe peut-être d’une désaffection du public.

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Vireo s’adresse donc peut-être essentiellement à un public de niche. Il est vrai que son côté surréaliste, sa symbolique parfois mystérieuse, sa structure éclatée peuvent déconcerter bien des spectateurs. Mais il s’agit d’une œuvre ambitieuse à laquelle ont participé nombre d’artistes chevronnés. Le tournage, échelonné sur deux années, a dû être éprouvant, pour un résultat somme toute satisfaisant: la créatrice est bien parvenue à mettre en parallèle les regards de différentes époques sur l’hystérie. Une fois la série terminée, le message est clair et l’intrigue s’avère compréhensible dans ses grandes lignes même si l’aspect baroque de la narration a par moments un effet distractif. N’hésitez pas à regarder en ligne la websérie (sous-titrée en anglais) pour vous faire votre propre opinion, tous les épisodes sont sur ce site. Vous y trouverez aussi nombre d’articles et d’interview apportant un éclairage sur ce projet hors-normes. L’avenir dira si Vireo préfigure un engouement inédit pour les hybrides d’opéra et de séries télé, mais une chose est sûre: à l’heure actuelle, c’est une websérie unique en son genre.

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